“Retorna a lo antiguo y serás moderno.”

 Giuseppe Verdi

 “El más antiguo, el más verdadero y el más bello órgano de la música, el origen del cual nuestra música debe provenir, es la voz humana.”

 Richard Wagner

INTRODUCCIÓN

    Como ingrediente importante de la cultura, la música tiene un efecto notable en el individuo y en su entorno social, que se refleja en la educación, las actitudes y los comportamientos de los individuos en sociedad. De entre todos estos beneficios, la música estimula el buen humor en las personas, es sinónimo de fiesta, la hay para todas las edades y gustos, así como para cualquier ocasión o situación. Es fuente de disfrute universal para quienes la crean, la interpretan, la cantan, la escuchan o la bailan.

    El estudio y la práctica de la música ejercita y mejora los procesos cognitivos, la memoria, los reflejos, el oído, la coordinación motora y la concentración, y también despierta casos de vocación y talento auténticos. Lacárcel (2003), Dalla (2015) y Copland (1992), son algunos de los muchos autores que corroboran estas afirmaciones. A lo que podría añadirse que la música proporciona ayuda e información en el campo de la educación emocional, y su aplicación es cada vez más frecuente en educación especial (dislexia, autismo), marginación social (rehabilitación psicosocial, prisiones), terapia ocupacional y musicoterapia; de modo que repercute claramente en beneficio de alumnos, familias, colegios y de la sociedad en general. Igualmente, estas aportaciones son confirmadas por Balsera y Gallego (2010).

    Se suele pensar que los alumnos escuchan al maestro, como es natural (unos más y otros menos, claro está); por lo tanto, será necesario procurar captar su atención, despertar su curiosidad e interés y conseguir que se impliquen, para lo cual se requiere dedicación, habilidades, método, planificación, conocimientos... En este punto, se sugiere rememorar la propia historia, como el aprendiz que ha vivido las etapas de infantil, primaria y secundaria, y reflexionar sobre el aprovechamiento de las clases y de las relaciones con los maestros.

    Si se tomara en consideración la exigencia académica curricular “que entraña un bagaje escolar cada vez más voluminoso” (Delors, 1996, p. 91) frente a las necesidades, capacidades y motivaciones reales del alumnado, quizás la enseñanza en general debería adoptar fórmulas que evitaran el aburrimiento y la monotonía, es decir, que las sesiones o clases fueran amenas, participativas, variadas, dinámicas e incluso divertidas.

El cognitivismo emergente trató de elaborar modelos psicopedagógicos que proporcionaran una actividad musical estimulante. Y siguiendo los principios cognitivos, el niño ha de desarrollar y ejercitar su comportamiento y relación con la música de una manera progresiva y adaptada al estadio en que se halla, a sus estructuras cognitivas, respetando las características y diferencias individuales. (Fernández y García, 2015, p. 49).

    No se puede obviar que en las clases son normales las explicaciones, las exposiciones, los diálogos y las conversaciones; en definitiva, que la voz y las palabras son armas o herramientas imprescindibles para la buena comunicación, y, en consecuencia, para la motivación y el provecho escolar, siempre y cuando el mensaje sea escuchado de verdad por el oyente. Asimismo, cada vez se considera más necesario saber expresarse bien en público, de hecho, son bastante corrientes los cursillos, seminarios y conferencias para mejorar la expresividad en todos los ámbitos profesionales, sean técnicos, licenciados, empresarios, directivos, políticos, etc.; ya que, en buena medida, el éxito social está relacionado con esta capacidad; sin olvidar que los exámenes orales y las entrevistas de trabajo están a la orden del día.

    No sería descabellado, por lo tanto, que los planes de estudio de Primaria contemplasen determinados aspectos del campo de la comunicación y la expresividad oral. De una buena comunicación se obtienen enormes beneficios, tanto por la transmisión de información y conocimientos como por otros aspectos asociados a la misma, tales como la claridad y el buen uso del vocabulario, saber captar la atención e interés, respetar los turnos de intervención y las opiniones, crear una atmósfera cordial, profundizar en los temas, motivar la participación, superar complejos de timidez, afrontar de forma positiva situaciones de desacuerdo, resolución de conflictos personales e incluso aprender a callar si lo exige la situación.

    No obstante, los métodos observados en la especialidad de la Mención en Educación Musical del último curso de Magisterio de Primaria constatan el sentido práctico de las clases, capaces de atraer y mantener la plena atención y participación de los estudiantes y la asistencia mayoritaria y regular de los mismos. Así que, en este punto, cabría preguntarse si es posible que el lenguaje, el método y las técnicas usadas por unos profesores vinculados por entero al mundo de la música, tendrían algo que ver con la elevada motivación de los alumnos y el dinamismo e increíble eficacia de las clases. Subyace la idea de las posibles conexiones entre la enseñanza, el aprendizaje, la música, la atención y las lenguas. ¿Sería posible que la música y la lengua avancen de la mano en el camino de la educación? Y puede que no resultase demasiado complicada la inclusión de la música como elemento colaborador y de apoyo para cualquier otra materia.

    Así que, desde esta perspectiva, con el fin de mejorar aspectos como oratoria, elocuencia o expresividad, relacionados con el discurso del alumno, se sugiere la incorporación de recursos musicales a determinados programas formativos de Enseñanza Primaria, como parte integrante de alguna de las vías de expresión del Área de Lengua y Literatura de las que consta el actual currículo.

Una enseñanza especializada  

    Louzao (1980) describe que la enseñanza impartida en las primitivas universidades occidentales de la Edad Media estaba ligada, por una parte, a las tres artes liberales, Trivium, que comprendía la elocuencia (gramática, retórica y dialéctica), y, por otra parte, las cuatro artes liberales, Quadrivium, que comprendía la aritmética, la geometría, la música y la astronomía, por otra. Esta enseñanza, de carácter general, mantenía las conexiones entre las derivaciones de cada núcleo.

    Con posterioridad, de la evolución en los campos de las artes y las ciencias, fueron surgiendo nuevas materias y especialidades a lo largo de los siglos. El desarrollo de sus contenidos condujo a la creación de nuevas ramas del saber, cuyo análisis permitió profundizar, investigar y ampliar conocimientos; sin embargo pasaron por alto las relaciones originales del núcleo común.

    En definitiva, las colaboraciones entre la música, la lengua y su expresión artística, la literatura, que vienen desde la antigüedad, nunca han dejado de existir, aunque hayan discurrido, en apariencia, de manera independiente. Es sabido que caminaron unidas en la antigua Grecia, y que posteriormente se separaron como consecuencia de la especialización, no obstante, no deberían olvidarse los muchos aspectos y colaboraciones que las mantienen conectadas; de hecho, en la actualidad, en el mundo de la educación, se viene hablando de interdisciplinariedad para volver a relacionarlas.

    Centrándonos en el devenir del sistema educativo español de los últimos años, resulta sorprendente que en tan poco tiempo se hayan llevado a cabo continuadas reformas legislativas. Así, en el Preámbulo de la Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, de Educación, estos cambios tan continuados implantados con objeto de mejorar la calidad educativa no han resuelto la problemática del fracaso escolar.  Teniendo en cuenta que los resultados de una reforma educativa no se materializan de manera inmediata, pudiera tener la explicación de que no haya llegado a asentarse o adaptarse en su totalidad.

    Situándonos en nuestro territorio, la Comunidad Autónoma de Aragón, de acuerdo con lo que establece el artículo 8 del Real Decreto 126/2014, de 28 de febrero, la disposición de las áreas de conocimiento ha variado de forma mínima.

    Se observa que las cinco materias troncales (Ciencias de la Naturaleza, Ciencias Sociales, Lengua Castellana y Literatura, Matemáticas, Primera Lengua Extranjera), consideradas como principales o prioritarias en el desarrollo educativo, son las que consumen más horas de la semana con el alumnado.

    En segundo lugar, encontramos que las asignaturas específicas (Educación Física, Religión o Valores Sociales y Cívicos, Educación Artística y Segunda Lengua Extranjera) consumen menos de la mitad de las horas semanales que las troncales. Y, sin duda, estas asignaturas específicas contribuyen especialmente al desarrollo de las habilidades motrices, cognitivas y emocionales, pero la escasez de horas lectivas supone una mínima capacitación en las mismas, diversas carencias y el olvido casi inmediato. Sería cuestión de aprovechar las posibilidades que estas asignaturas ofrecen como vía de apoyo o soporte de las troncales.

Lengua, Literatura y Música: coincidencias y aproximaciones

Una historia común

    Fernández de la Cuesta (2011) expone que, en Occidente, las primeras pistas acerca de la asociación lengua y música provienen del mundo religioso, concretamente de las zonas geográficas que hoy denominamos Oriente Medio, y que desde el mundo hebreo o judaico se extendería a través de Grecia y el Imperio Romano al resto de Europa.  En el Antiguo Testamento aparecen numerosas referencias a la danza, los cánticos y los instrumentos musicales (pandero, trompetas, flauta)  durante los reinados anteriores al de Salomón, quien gobernó posiblemente entre los años 965 y 928  a.C. Así, el canto y la voz son el fundamento de la salmodia (canto de los salmos) y los "cánticos bíblicos" cuyos textos están incluidos en los libros del Antiguo y del Nuevo Testamento.

    La lectura de Rodríguez Adrados (1980) pone de manifiesto que en la Grecia arcaica (hasta el siglo V a. C.) no hay una palabra en griego que signifique «música» y no hay una que signifique «literatura». Lo más próximo es el término que significa «arte de las Musas». De modo que, más que decir que las Musas cultivaban las tres artes de música, danza y poesía, habría que decir que las tres componían el arte de las Musas, que incluían a su vez la epopeya homérica y la filosofía («por ser la filosofía la música más elevada»).

    A partir del siglo VII a.C., en Grecia, el canto, que podía alternar solista y coro o la declamación iban acompañados siempre por un instrumento (lira, cítara o doble flauta) que contribuía al desarrollo de la lírica literaria. Es en el teatro donde alcanzaron desarrollo literario. El puro recitado no llevaba acompañamiento musical, y no hacían sino continuar una tradición de la poesía. Los géneros literarios griegos en prosa son derivación de los géneros poéticos. Por otra parte, la épica y la lírica literaria se ejecutaron con frecuencia sin acompañamiento de danza. La danza sin verso es antigua y continuó existiendo siempre. Hay luego géneros mixtos, el teatro, sobre todo, en que el coro no danza cuando hablan los actores, si bien puede cantar junto con ellos (diálogo lírico). De todas formas, la evolución del teatro fue en el sentido de disminuir progresivamente la importancia del canto y la danza.

    La danza, el canto y la música, cuando aparecían juntos, se subordinaban a las palabras. La lengua griega tenía, como se sabe, un ritmo natural de largas y breves y su acentuación era musical, con sus acentos agudo, grave y circunflejo que suponían, respectivamente, un ascenso, un descenso y un ascenso seguido de un descenso tonales. La música que se componía para un texto poético debía ajustarse a su ritmo y a la melodía de sus acentos. Las composiciones musicales tradicionales de los griegos tenían un margen de variabilidad que las hacía adaptables a diferentes textos escritos.

    A finales del siglo V se desarrolló la nueva música que oscurecía la palabra, que utilizaba el texto como puro apoyo y pretexto. No hubo oposición propiamente de música y literatura, pero sí una desintegración gradual. En la época helenística (323 a.C.-30 a.C.), la danza se separa de manera definitiva de la poesía.

    En la ponencia de Fernández (2011) se ofrecen datos acerca del estudio de los cantos del repertorio gregoriano y su procedencia de las primitivas versiones latinas de los salmos, que mantienen la forma de salmodia, directa, responsorial y antifonal, este último término de antifonal se explica en la liturgia católica con la participación de dos coros, o bien de un solista y la congregación, con la fórmula de pregunta y respuesta. Habla sobre las comunidades cristianas, sus tradiciones y ritos, que se propagarían por la extensa y compleja geografía del Imperio Romano.

 En el año 387 Agustín de Hipona -San Agustín- (354-430) comenzó a redactar un tratado con el título “Sobre la Música” del que terminó seis libros. En los cinco primeros trata de los principios del metro y el ritmo. El sexto se ocupa de la psicología, la ética y la estética de la música. (Calvo-Manzano, 2010, pp.7-8)

   El libro Para Entender la Música (Valls Gorina, 1978) nos ilustra en cuanto a las siguientes etapas de la historia de la música. Las invasiones bárbaras durante los siglos VI y VII ahogaron muchas muestras artísticas, y si la música sobrevivió al naufragio general, podemos imaginar que fue debido al hecho de que el canto formaba parte de la liturgia cristiana. Así el canto gregoriano será el producto madurado de melodías pertenecientes al sistema musical griego mezclados con otras de herencia musical judía, a las que se sumarían las aportaciones del canto ambrosiano,¹ y la posterior empresa unificadora del Papa Gregorio el Magno (540-604), en Roma. Podría afirmarse que hasta la eclosión del ciclo trovadoresco (S. XII-XIV) la música religiosa (el gregoriano) es la única manifestación de la que hay testimonio.

    Si el latín perdió con el tiempo sus atributos de lengua viva ante el empuje de las lenguas romances, lo propio ocurrió con el gregoriano. Los protagonistas y promotores de los nuevos avances musicales cristalizaron en las figuras de los goliardos (frailes que habían colgado los hábitos, que vivían de la limosna y que vagaban por el mundo), quienes en sus canciones alababan el buen vino, el comer, el amor y se burlaban de los santos y de la cultura oficial. Ellos fueron los primeros que independizaron la música al extraerla de las funciones litúrgicas.  Carl Off cuenta con varios oratorios sobre el tema, de hecho, Carmina Burana está escrita sobre textos goliardescos, y los goliardos son los protagonistas. Con los juglares, aparecen el ingenio, las ocurrencias, los juegos de palabras y la improvisación musical. Y un paso más adelante, se encuentran los trovadores, que en muchos casos procedían de la nobleza, quienes creaban la letra y la música, y así, produjeron melodías articuladas sobre poemas de amor e historias de caballeros.

    A partir de la escritura musical comenzará el camino hacia la polifonía, el hallazgo de la tonalidad, el desarrollo de la música instrumental, las formas musicales (sonata, concierto, sinfonía, la cantata y el oratorio), las formas musicales en el romanticismo, los tiempos modernos y la música como espectáculo.

Funciones de la lengua y de la música

 Llamamos lenguaje a la facultad específicamente humana de poder establecer comunicación mediante signos orales y escritos. El lenguaje presenta manifestaciones distintas en las diversas comunidades que existen en la tierra; cada una de estas manifestaciones recibe el nombre de lengua o idioma. Lenguas o idiomas son, por tanto, el español, el alemán, el inglés, el ruso, etc. (Lázaro Carreter, 1972, p. 8)

    De acuerdo con el autor referenciado, Lázaro Carreter (1972),² las finalidades a que se aplica el lenguaje son sus funciones. Y de las funciones del lenguaje descritas por dicho autor se evidencia que, en efecto, tienen equivalencia y son aplicables con carácter general a la música, con independencia del campo o actividad musical: deportes (patinaje artístico, gimnasia rítmica, natación sincronizada), cultura (teatro, cine, ópera, zarzuela), popular (fiestas, verbenas, bailes), música de ambiente en el trabajo, centros comerciales, danza…

    Función expresiva. Consiste en el empleo del lenguaje para manifestar los sentimientos más íntimos, estados de ánimo o emociones del emisor: uso de interjecciones, giros y entonaciones exclamativas, empleo de sufijos alterando el orden normal de las palabras… Si transmitimos emociones, un ejemplo sería: “¡Qué feliz me siento!”, para manifestar sensaciones: “¡Me duele la cabeza!”, si queremos expresar sentimientos, un ejemplo sería: “¡Te amo!”, “Me gusta estar contigo”.

    La correlación de la función expresiva en el ámbito musical es evidente, dada su facilidad para transmitir sensaciones, sentimientos y emociones tanto en el ejecutante como en el oyente.

    Función conativa. En esta función el hablante actúa sobre el oyente para llamar su atención o dirigir su conducta mediante indicaciones o sugerencias, generalmente en modo imperativo. Al estar basada en las órdenes, algunos ejemplos serían: “¡Mantén la casa limpia!”, “Cierra la puerta al salir”, “No cruces la calle sin mirar”.

    Encontramos presente esta función en el uso de instrumentos musicales en el ejército, por ejemplo, para transmitir órdenes que habitualmente son diana, retreta, asamblea…, y el cambio de tercio en las corridas de toros, entre otros.      

    Función representativa. Es la función específicamente humana. Para representar la realidad, realizar aserciones, transmitir conocimientos o formular preguntas de naturaleza objetiva: “¿Quién ha venido?”, “El presidente anunció nuevas medidas”, “Se pronostican lluvias para el fin de semana”, “El examen está previsto para las ocho de la mañana”.

    Puede equipararse por su carácter referencial, representativo o informativo con la función narrativa-descriptiva aplicable en la música: anticipa acontecimientos; asociación de la música con situaciones, lugares y personajes. Por ejemplo: motivos y variaciones musicales en el cine y en el teatro.

    Función fática o de contacto. Sirve para asegurarse de que la comunicación no se ha interrumpido. Algunos ejemplos de esta función son, “¿Me escuchas bien?”, “¿Entiendes lo que te digo?”, “¡No te escucho bien!”, “¿Qué me dices?”.

    En este caso, la función musical tiene el mismo sentido que en el lenguaje; ya que su objeto es llamar la atención del público, por ejemplo: la sintonía que anuncia un programa, altavoces públicos y el uso de matices en las obras que sirven para mantener la atención del oyente o espectador.

    Función metalingüística. La utilización del lenguaje para hablar del lenguaje. Se centra en definiciones y aclaraciones. Los diccionarios y las gramáticas son un buen ejemplo. “¿Decisión primero se escribe con c y luego con s?”, “Ocaso significa puesta del sol”, “¿Qué significa la palabra atribulado?”, no se dice “cabo”, “se dice quepo”, “Hondo significa profundo”.

    Parece coherente deducir que una función metalingüística tenga su equivalente en el campo musical, y que se refiera a la misma música o a la musicalidad del propio lenguaje. Por ejemplo, la encontraremos en obras o canciones utilizadas para enseñar aspectos de la lengua o de la música.

    Función poética o estética. Se utiliza para embellecer el mensaje en la comunicación diaria o en los textos literarios. He aquí unos ejemplos de cómo predomina la estética en esta función: “Érase una vez una dulce y bella princesa”; “Tengo el privilegio de ser hijo de la más abnegada madre”; “Y el mar se reflejaba en el azul de sus ojos”; “Su simpatía y sencillez la convierten en la niña más especial del planeta”.

    Pensemos que la finalidad de la composición musical coincide plenamente en el sentido de embellecer las obras con la utilización de todos los recursos disponibles al alcance del artista.

Sin embargo, tanto en la música como en la literatura, simplemente porque ambas son arte, entra en juego la experiencia estética del receptor: el factor cultural y educativo, el imaginativo, el factor emocional o afectivo, todo ello reorganizado y re experimentado en la recepción de la obra. (López, 2013, p. 123)

Elementos básicos: música vs. literatura

Desde la antigüedad clásica hasta nuestros días teóricos y músicos han cuestionado las relaciones que se establecen entre la música y el texto y se han decantado por la primacía de una u otro en cada época, dando respuesta así, a través del vínculo entre las dos artes, a los rasgos estéticos y culturales del momento. (López, 2013, p. 129)

    A continuación, se establecen una serie de relaciones entre ambos dominios, desde una perspectiva bidimensional.  Para ello, en primer lugar, según los puntos señalados y descritos por Louzao (1980), se pondrán de manifiesto “algunos elementos comunes utilizados por la Música y la Literatura” (p.98); y, en segundo lugar, de acuerdo con Igoa (2010), se analiza “la estructura combinatoria, o la formación de secuencias complejas a partir de unidades básicas (notas y motivos, o fonemas, sílabas y palabras)” (p.105).

Algunos elementos comunes utilizados por la Música y la Literatura

    El sonido: Si el medio de expresión básico de la música y el lenguaje es el acústico, “resulta pertinente preguntarse hasta qué punto las propiedades acústicas de los estímulos musicales y del habla son equivalentes” (Igoa, 2010, p. 105).

    En el campo de la música, el sonido es definido mediante los parámetros (altura, intensidad, timbre y duración), que permiten discriminar los sonidos graves de los agudos; los fuertes de los débiles; los producidos por un instrumento u otro; o si hablamos de sonidos más cortos o largos representados a través de las figuras (corchea, negra, blanca etc.).

    En cuanto al terreno lingüístico-literario, el sonido articulado se refiere a la unidad mínima de la Fonética y la Literatura oral (fonema). Al igual que en la música, también cuenta con una serie de cualidades dentro de este ámbito (tono, timbre, cantidad e intensidad), que permitirán que establezcamos diferencias entre vocales altas, medias y bajas; vocales agudas, graves y neutras; vocales largas y breves; vocales tónicas y átonas.

    Como se describe en el artículo de Louzao (1980), las cualidades del sonido están presentes de forma muy similar entre las disciplinas: musical y lingüístico-literaria.

    Autores como Murray Schafer (2013) o John Paynter (1999), centraron su pedagogía en la importancia de educar a través de los sonidos. El primero de ellos estableció una comparación entre el mundo que nos rodea y una composición musical, de forma que se tomara conciencia en el desarrollo de la escucha y la importancia de los sonidos que conforman nuestro alrededor en el día a día. Paynter, por otro lado, desarrolló una metodología basada en la sensibilización ante los sonidos desde los aspectos: melodía, ritmo, dominio espacial, voz, oído y expresión instrumental.

El ritmo: si buscamos la definición de ritmo en el diccionario, no deberíamos extrañarnos al observar cómo, la Real Academia Española, se refiere a este término desde las disciplinas del lenguaje o de la música. El ritmo es la “sensación perceptiva producida por la combinación y sucesión regular de sílabas, acentos y pausas en el enunciado, especialmente en el de carácter poético”; o “porción guardada entre los acentos, pausas y repeticiones de diversa duración en una composición musical”.

    Está ligado a conceptos como el pulso, patrón regular que lo marcará; o el tempo, que indicará la velocidad a la que se encuentra. A los humanos, tendría que resultarnos sencillo reconocer cualquiera de estas significaciones, ya que son la base de nuestra vida. Desde antes de nacer, ya se siente e incluso se escucha el latido del corazón en el vientre materno, un pulso regular y constante que acompañará toda la existencia. Numerosos ejemplos jalonan la misma: los pasos al caminar, el tic-tac del reloj, las olas del mar, etc.

    Al igual que hemos hecho referencia al ritmo como elemento básico de la vida humana, también lo será de la música. “Tanto es así que, sin él, dejaría de existir ésta y no digamos nada de la danza que sería totalmente inconcebible” (Louzao, 1980, p. 98). Además, el nacimiento de los primeros instrumentos musicales de percusión, fueron creados para realizar ritmos, e incluso, a día de hoy, se siguen utilizando en los pueblos primitivos, como indica este mismo autor.

    Si nos trasladamos al terreno lingüístico-literario “siempre se ha admitido unánimemente la existencia del ritmo en poesía. De sus factores intensivos, cuantitativos, tonales y de timbre surgían los acentos, la métrica, la línea melódica y la rima.” (López y Alonso, 1975, p.75 y ss.) Por el contrario, el ritmo en la prosa no ha sido tan estudiado, aunque algunos autores acuñan que “hay un tipo de ritmo subyacente en cualquier tipo de prosa y es el que engloba su estructura fónico-sintáctica. Sus unidades son las siguientes de mayor a menor; la oración, el grupo fónico y el grupo acentual” (Paraíso de Leal, 1976, pp. 42 y 44).

    Autores como Jhon Paynter (1999) y Carmelo Saitta (2002) fundamentaron su pedagogía en el ritmo. El primero, sin hacer uso de compases, utiliza ritmos aleatorios con el fin de trabajar más allá del control regular del pulso. Por su lado, Saitta, se centra especialmente en el “ritmo musical” para trabajar mediante instrumentos de percusión. George Self opina que “en la educación moderna los alumnos cantan y tocan determinados sonidos con ritmos y tiempos específicos determinados por el profesor para lograr desarrollar habilidades de lectura” (Imirizaldu, 2010, p.483).